Facilito, Japón Hito / イージー日本

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Una conversación virtual, aural y oral
entre Izumi Takahashi y Abraham Araujo
sobre el sonido, y la otra música.

 

Vivimos en un momento en que se anuncia la construcción de enormes muros, tanto en el presente como en el –supuestamente prometedor– futuro. Pero existe algo visiblemente poderoso, que ha sido palpable desde hace centenares de años, y que claramente apunta más hacia el progreso que hacia cualquier otra cosa. Usted puede llamarlo música, artes, diseño, sentido del humor, sexo… cualquiera de ellas. Esas cosas conectan a la gente.

 

¿Cómo y con qué podrías comunicarte con un perfecto extraño?: alguien que llega desde un país distante, lee y escribe en caracteres completamente diferentes a los tuyos, habla otra lengua, y –lógicamente– se encontraría más que perdido, culturalmente, en un lugar como la ciudad de Caracas.

 

Mi invitado en esta “entrevista multimedia” y chat virtual de referencias es Izumi Takahashi, un fotógrafo nómada y editor independiente, auto-didacta, con un ojo ávido por los paisajes urbanos y, también, un curioso indagador de la música. Procede del distrito de Shibuya (en Tokio), y luego de haber dado prácticamente la vuelta al mundo, aterriza casi por accidente en Venezuela. Extrañamente cautivado por nuestro caos y diversidad, decide quedarse durante una sustanciosa temporada en Caracas, entre 2016 y 2017.

 

Además de compartir opiniones similares respecto a la contra-cultura, las artes y la música, una curiosidad por lo estimulante en lo visual y lo sonoro fue nuestra guía a través de esta conversación espontánea. Más que teorizar o intelectualizar, esta curiosidad nos invitaba a dar un paseo audiovisual entre sonidos, artistas, escenas olvidadas y músicos que impactaron o han resonado en nosotros. También comparamos nuestras contradicciones y similitudes culturales; además, ninguno de los dos dominaba el idioma del otro –nuestras lenguas comunes fueron el inglés y la música.

 

La entrevista resultante (a continuación) ha sido dividida en varias secciones. La invitación es a sumergirse cómodamente en el intercambio con la ayuda de un buen sistema de sonido o, al menos –si los tiene a la mano– un par de audífonos respetables.

 

Pase y disfrute.


 

  • 3 de febrero de 2017 – 10:02 PM

1. PREGUNTAS PREDECIBLES, RESPUESTAS GENÉRICAS:
Resultados maravillosos ✓


Abraham Araujo
: A ver, ¿puedes decirme tu lugar de nacimiento y dónde vives ahora?

Izumi Takahashi: Nací en Tokio, y normalmente vivo allí también.

AA: Entonces, ¿cómo terminaste en Venezuela?

IT: ¿Te refieres a cómo llegué aquí la primera vez? Viajaba por Sudamérica desde Argentina a Colombia en ese momento, y conocí a un amigo que era de Venezuela, así que quería visitar a mi amigo.

AA: ¿Qué otros países has visitado y en cuáles has trabajado como fotógrafo?

IT: He estado en los Estados Unidos, Alemania, Francia, Holanda, Islandia, España, Dinamarca, Malta, Israel, Jordania, Turquía, Brasil, Argentina, Bolivia, Perú, Ecuador, Colombia, Venezuela, Curazao, Aruba, y Trinidad y Tobago.

AA: ¡Dios! Has estado en todos lados, man. ¿Siempre tomando fotos?

IT: No, empecé a tomar fotos cuando estaba en Brasil. Antes de eso, odiaba tomar fotos, porque a veces interrumpe el momento.

AA: Sí, entiendo, tengo sentimientos encontrados acerca de eso. A veces, cuando viajo, quiero grabar todo en video, pero a veces arruina todo lo demás.

IT: Sí, sí. No me gusta tomar fotografías frente a estatuas o cosas famosas, como un turista. Comencé a tomar fotografías en Holanda y Dinamarca, pero luego perdí todo cuando alguien robó mi laptop en Berlín.

AA: Oh, qué mal. Y desde entonces haces copias de seguridad de todo en Google Drive y eso, ¿cierto?

IT: Correcto. Desde entonces guardo mis fotos en mi laptop o en una memoria USB el mismo día que las tomo.

AA: ¿Cuántos fanzines o fotolibros has publicado recientemente?

IT: Hice 2 fotolibros. Podrían ser considerarse fanzines también, porque no fueron publicados oficialmente. El nombre del libro es “Río de Janeiro / Diamantina”, y el otro es “Movimiento”

AA: Menciona de 10 a 5 álbumes japoneses favoritos de todos los tiempos:

IT: Boredoms / Pop Tatari · Jagatara / Nanbantorai · Merzbow / Amlux · Shinichi Atobe / Ship Scope (o inclusive World) · Ymo / Ymo


AA: Y ahora, de 10 a 5 álbumes favoritos en general:

IT: J Dilla / Donuts · Ramp / Come Into The Knowledge · Donald Byrd / Stepping Into Tomorrow or Place And Space (el disco de los Mizell Brothers) · Roland Haynes / 2nd Wave. Si tuviera que elegir sólo un álbum, Donuts de J Dilla sería el mejor para mí, por alguna razón.

 

 

  • 3 de febrero de 2017 – 22:25 –

2. “Ok, suficiente con las preguntas genéricas”:
MÚSICOS DEL JAZZ QUE SALTARON EN EL VAGÓN DE LA MÚSICA DISCO

 

AA: ¡Oh, Donald Byrd! Su última incursión en la música disco es genial. Luego hizo el gran salto del jazz al disco.

IT: No conozco mucho sobre su etapa en la música disco, pero estos dos álbumes son increíbles para mí.

AA: Sí, por otra parte, mucha gente universalmente tiende a elegir Donuts de J Dilla, por alguna razón especial. Creo es un disco que corresponde a ese “territorio común” en el que las personas concuerdan, por sólidas razones. Es un álbum tan positivo, incluso cuando se hizo en parte en condiciones críticas. (1)

IT: Sí en Donuts coinciden personas procedentes de diferentes contextos musicales. Y en el caso de Donald Byrd, el equipo de producción eran The Mizell Brothers. Hicieron sólo unos pocos álbumes como ese, con Bobbi Humphrey, Jonny Hummond: 3 Pieces. Grabaron con grandes músicos de estudio como Chuck Rany, Harvey Mason, toda la BNLA (Blue Note L.A.).

AA: Exceptuando a Bobbi Humphrey, no conozco a los álbumes que mencionaste. Pero he oído que Donald Byrd llegó a ser un tanto criticado por traicionar a los “jazz cats” (los fanáticos ) y a los puristas de esa época.

IT: Bueno, ya sabes, la gente que ama el jazz odia estos álbumes jajaja.

AA: Jaja, sí, sé lo que quieres decir. ¿Y tenían una división especial para la costa oeste de Blue Note (en Los Angeles)?

IT: Sí, creo que sí, el logotipo es diferente, y en ese momento el jazz se convirtió en un fenómeno pop. Supongo que hicieron otra disquera secundaria para Blue Note.

AA: Interesante dato. (Por cierto, echa un vistazo al track de Donald Byrd) :

 

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Donald Byrd and 125th Street, N.Y.C. – Love Byrd (1981, Elektra)

 

AA: Algunas compilaciones dicen que fue un gran clásico en el Paradise Garage, mezclada entre otros, por Larry Levan en la pista de baile.

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Logo icónico del legendario club nocturno Paradise Garage, 1976.

 

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“La Última Noche” en el Paradise Garage – N.Y.C., Septiembre 1987. Fotografía tomada por Tina Paul.

IT: Todo esto ocurrió antes del período de la fusión en el jazz. No me encanta precisamente el jazz-fusión, pero lo que hicieron The Mizell Brothers es, para mí, lo mejor entre el jazz clásico y el jazz-fusión.

AA: ¿Cómo es ese jazz-fusión?

IT: Podría ser Weather Report, Masahiko Satoh o Cassiopea (una banda japonesa).
Solía ​​odiarlos, pero ahora no me suena tan mal, jajaja. Creo que a los artistas de hip-hop y house les encanta, lo samplean mucho.

 

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Masahiko Satoh ‎– All-In All-Out (1979, Openskye)

 

AA: Lo sé, hay un cierto tipo de jazz que me suena un poco a “rock progresivo”, y es difícil para mí acostumbrar el oído a eso jajaj.

IT: ¡Esa canción de Donald Byrd está increíble!

AA: Sí, es magnífica. Luego, en los últimos años, todos estos DJs de las nuevas generaciones del Reino Unido y Berlín, en el circuito de clubes menos conocidos, han comenzado a darle nueva vida en la pista de baile.


 

  • 9 de diciembre de 2016 – 15:25 –

3. “Pliegos y arrugas en Caracas”

 

IT: Me parece que hay tantas arrugas en la ciudad. Es por eso que resulta un lugar tan interesante para mí.

AA: ¿Arrugas? ¿A qué te refieres?, ¿en las calles?

IT: Es como lo contrario de plano. Al igual que cuando ves las sábanas en tu cama después de despertar, ¿se pueden encontrar arrugas, cierto?

AA: Sí, tengo la imagen de la palabra en mi cabeza. ¿Quizás tiene que ver con el hecho de que todo en Japón puede ser más estructurado y organizado?

IT: Es difícil de explicar, pero lo intentaré. Comparándolo con Japón: las cosas en general, la gente, son tan planas. Como cuando comes Dorito’s, te encontrarás con uno que es muy salado y el siguiente no. Lo que quiero decir es que, incluso con unos Dorito’s, cada uno de ellos no poseen el mismo sabor.

AA: (Ok, este ejemplo parece ser acertadamente divertido, pero todavía estoy tratando de hacer la conexión).

 

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Izumi Takahashi, Caracas, 2016.

AA: Aunque recuerdo algunas cosas que dijiste hace algún tiempo. Quizás podría tener que ver con el hecho de que aquí todo es un poco desordenado, no planificado. Tal vez hay más texturas, lo que lo hace lo contrario de plano, ¿cierto?

 

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Izumi Takahashi, Estambul, 2015.


IT
: Todos los Dorito’s japoneses tienen el mismo sabor. No son salados, e incluso las formas son siempre las mismas. Todos somos “chinos” (digo esto para ir junto con la metáfora). Existe una diferencia más amplia entre las cosas aquí, como los contrastes entre pobres y ricos.

AA: Wow, esa fue una buena manera de ponerlo en perspectiva.

IT: Por ejemplo, un edificio se veía originalmente en buen estado, pero ahora se ve anticuado y sucio.

AA: Así que piensas, quizás, que aquí hay más posibilidades para el “elemento sorpresa”.

IT: Podría ser un terreno fértil para hacer que sucedan cosas. Hay muchos tipos de personas aquí.

AA: Genial. Lo siento desde otra perspectiva, como una especie de cumplido hacia este lugar. Son increíbles metáforas.

IT: Todavía estoy buscando lo que significaría arruga. Creo que he visto ejemplos en la calle, pero no puedo descifrarlo todavía. Tal vez pueda encontrar algo como una arruga en los edificios o en la luz de la ciudad. Las cosas parecen estar entre vivas y muertas. La situación aquí a veces parece estar fracturándose.

AA: ¿Quieres decir constantemente?

IT: Sí. No está absolutamente rota, pero no se encuentra entera del todo.

AA: Tal vez tiene mucho que ver con la constante inestabilidad del entorno.

TI: Masayuki Shioda es así, www.amalaworld.com/?tid=6&mode=f8

IT: La gente dice que capturó el ruido de las calles, así que creo que podría tener un idea similar.

Creo que te recomendé este artista llamado Tomoo Gokita www.tomoogokita.com. Es un amigo de Masayuki Shioda. Pertenecen al mismo grupo que mis amigos, aunque todavía no lo he conocido personalmente.

 

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Tomoo Gokita, “Out of Sight” @ Mary Boone Gallery, 2016

IT: Son una especie de nueva generación, creo.

AA: ¡Fantástico! Sí, eso es lo que percibo en el trabajo de ambos.

IT: Me interesa que la gente de Venezuela conozca este tipo de cosas, porque la mayoría de la gente sólo conoce Japón a través de cosas como anime, bukkake, hentai y el sushi, jajaj.

AA: Jajaja, sí. Es lo mismo que con arepas, Misses y Chávez, ese bastardo es bien conocido hasta en Marte jajaj.


 

  • 19 de diciembre de 2016 – 11:37 –

4. MERZBUDDHA

 

AA: Oye, iba a compartir este dato contigo y casi lo olvidaba

 

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IT
: Jajaja, ¡sí, Merzbow es vegano!

AA: Jaja, exacto, su cumpleaños fue hace unos días también. No sabía que Merzbow ya era un tipo mayor.

IT: Suelo escuchar su música a veces cuando estoy haciendo algo relacionado con mi trabajo.

AA: Woh, no estoy seguro si podría escuchar sus cosas mientras trabajo. Bueno, tal vez algo de su material reciente, que involucra un sonido diferente, tipo “dub” o electrónica… pero no creo que la mayoría de sus discos me facilitarían estar haciendo clicks en la computadora.

IT: Tal vez lo que he estado escuchando es su material viejo, y me lleva a otro lugar… como hacia una especie de mar de ruido, donde no existen arribas o abajos, derecha o izquierda. Te ayuda de alguna manera a sintonizar algo que viene desde el yo interior. Quiero revisar las cosas nuevas, pero ha publicado demasiados trabajos. ¿Puedes recomendarme algo de lo último?

AA: Esa podría ser una manera precisa de describir el trabajo de Masami Akita (alias Merzbow). (2)

¿Te comenté que lo vi en vivo un par de veces? Creo que uno de mis períodos favoritos fue su colaboración con Russell Haswell, un músico que personalmente disfruto mucho. El proyecto fue apropiamente bautizado Satanstornade.

 

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Masami Akita & Russell Haswell – Satanstornade (2002, Warp Records)


IT
: ¡Wow! ¿Lo viste en vivo? Escuchar ese tipo de música podría ser como cuando estábamos dentro del vientre materno, antes de que naciéramos. Sin pensar, simplemente sentir.

AA: Sí, y los álbumes a los que me refiero son los que ha editado entre 2002 y 2005. Tiene una forma interesante de jugar con la palabra en sí, y los títulos son realmente interesantes: Merzbird, Merzbeat, Merzbuddha, Merzbuta.

AA: En algún lugar leí que percibimos sólo las frecuencias graves cuando estamos dentro del útero. Su trabajo remezclado por otros artistas conocidos y desconocidos, corresponde a otro período interesante: www.discogs.com/es/Merzbow-Ikebana-Merzbows-Amlux-Rebuilt-Reused-And-Recycled-Promotional-Sampler/master/13600

Hay un músico venezolano que tenía algunos discos junto a él, y algunas cosas grabadas en vivo: www.discogs.com/Merzbow-Carlos-Giffoni-Jim-ORourke-Electric-Dress/release/957369

 

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Merzbow / Carlos Giffoni / Jim O’Rourke ‎– Electric Dress (2007, No Fun Productions)


IT
: Hace tiempo había un programa tonto en la televisión japonesa que tenía invitados dedicados a enseñarle al anfitrión cómo hacer música noise. Los profesores fueron Boredoms, Arto Lindsay, Bouryokuonsengeisha, entre otros músicos de la escena punk. Está en japonés, pero podrías disfrutarlo. www.youtube.com/watch?v=vGL00Z7v_wA

AA: ¡WTFF hasta Arto Lindsay!. Man, estas cosas son ORO. Es como la mejor idea del mundo, aún cuando el programa era estúpido, es la idea de oro.

IT: Hubo una primera parte del programa en la que Masami Akita tocó. No puedo creer que transmitieron el programa en horario estelar (a las 7:00 pm) en 1992. No sé quién habrá visto eso jaja.

AA: Jajaj es muy extraño ver a Masami en un programa de televisión en horario estelar.


 

  • 22 de enero de 2017 – 06:02 PM –

5. BANG ON-A-CAN: Kraut Und Kosmische

 

AA: Echa un vistazo a esta pequeña historia ilustrada sobre Damo (Suzuki) cuando tengas tiempo www.redbullmusicacademy.jp/features/damo-suzuki-comic

 

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Extracto del cómic When Damo Met Can, ilustrado por Zack Soto y Connor Willumsen para la Red Bull Music Academy.

IT: Le heché un ojo al cómic sobre cómo Damo comenzó a formar parte de Can (3). La ilustración está increíble.

He oído que para ese entonces él había pasado algunos años en algún país europeo y planeaba regresar a Japón, pero mientras se la pasaba tocando la guitarra y pegando gritos en la calle cuando formaba parte del elenco en el musical Hair. Se hacía llamar a sí mismo “Dameo Suzuki”, a partir de un cómic japonés, pero la gente no podía pronunciar su nombre, así que fue de esta forma como consiguió su nombre “Damo”.  El nombre del cómic era “Marude Dameo”, que se traduce literalmente en “hombre totalmente inútil”.

 

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Marude Dameo (丸出だめ夫) ilustrado por Kenji Morita, 1964-1967.

AA: ¡Increíble dato!

¿Has visto sus conciertos en vivo? Tienen un documental famoso y no tan famoso en DVD, grabado durante un concierto en Colonia en los años ’70. Tenían a este tipo haciendo cosas de malabarismo mientras tocaban, era bastante atípico, incluso para bandas psicodélicas de esa época.

 


IT
: Es tremenda idea hacer un show con algo de malabares. Podría generar una buena química. Revisé algunos videos en vivo de Can. En vivo, me recuerdan a los conciertos de rock psicodélico o de rock progresivo.

AA: Definitivamente, eso es quizás lo principal en Can: a algunos fans del rock progresivo les podría encantar Can en algún momento debido a las cosas típicas de este tipo de rock, pero al mismo tiempo es una banda que intentó escapar de cualquier tipo de clasificación. Y su actitud no era en absoluto como la de los músicos “profesionales” de rock progresivo.

La duración de las canciones, todos estos músicos a la vez, el sonido psicodélico… pero la actitud no es como: “Ok, estos somos nosotros, vamos a darles unos !$%(&) 15 minutos de solos de guitarras y de baterías perfectos para un clímax en un par de estadios de baseball” jaja. Esa es la actitud que resulta desesperante en cualquiera de esas bandas de rock progresivo, y, como resultado, en su sonido también.

¡Can incluso tuvo una canción “disco”!, que, de alguna manera y en algún momento, fue relativamente popular en la radio. Recuerdo que una vez estaba colocando música como DJ en Maracaibo, y un señor mayor se acercó y me gritó, a través de la música retumbante, con unos ojos y una voz muy extraña: “¡ V I T A M I N A  C !”. Años más tarde, alguien me dijo que la canción estuvo muy sonada en la radio en Venezuela, y que el sencillo fue ampliamente difundido, incluso en Argentina y el resto de América del Sur.

IT: Y al mismo tiempo, también surgía algún movimiento electrónico, como NEU! Y Kraftwerk. Así que todas las cosas nuevas y viejas estaban mezcladas.

Yo no sabía mucho sobre la escena musical en Alemania o sobre el rock progresivo, lo descubrí en los últimos años.

AA: Sí, estoy algo desorientado sobre cuándo exactamente apareció todo esto en Alemania. Creo que tenía que ver con Stockhtausen, Luigi Russolo, Xenakis, y todos esos tipos fuera de serie que estaban comenzando a utilizar equipos electrónicos.

IT: Me tomó tanto tiempo para que me gustara Funkadelic (**), incluso cuando fue uno de mis primeros discos en vinil. No pude entender lo grandes que eran. ¡Necesité más de 10 años para que me gustara!

AA: Lo entiendo completamente. Creo que tiene que ver con que comenzaron a hacer sus propias cosas y a generar su propio sonido sin preocuparse por complacer a la gente, o por un público en específico. Por ejemplo, recuerdo la primera vez que vi los videos de P-Funk … Me asusté, man.

 

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Parliament / Funkadelic, Boston 1974.

Creo que fue gracias a los videos en VH1. Para mí, cuando era niño, no era algo tan fácil de mirar, como que no entendía ninguno de los trajes, George a veces parecía una mujer bien fea jajaj, con una enorme cantidad de pelo, que no sabías si era falso o real, y llevaba botas de plataforma, pero tocaba “funk”, y me dije: “Bueno, yo creía que James Brown era funk …” Pero no, esto era como una manera sucia, psicodélica y kinky de hacer funk. Hoy en día, te das cuenta de que todo lo que estaban haciendo era armar una fiesta, pulsar el botón de grabación, ¡y editarlo como un disco!


 

  • 10 de diciembre de 2016 – 9:18 PM –
    6. 0-800 – S P A C E – I S – T H E – P L A C E


IT
: Estoy armando el set de DJ para la próxima fiesta, y estaba pensando en colocar al comienzo algo de Sun Ra (**). Aunque probablemente no lo haga.

 

AA: Eso sería apoteósico. Sun Ra no ha sonado en este tipo de fiestas. Y whoa, esta canción es maravillosa, no la había escuchado.

 

Sun Ra y la Arkestra, 1969.

IT: Podría ponerla al principio, ya que habría poca gente.
Sí, esa canción ¡es descomunal!.

AA: Absolutamente. Está increíble para una introducción. Para mí, los intros son tan importantes como el resto del set de un DJ.

IT: Colocaré música lenta al principio. Estoy pensando en poner esto:

 

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Shamek Farrah ‎– First Impressions (Strata-East, 1974)

 

 

AA: Me encanta esa canción de Shamek Farrah. Es un jazz impecable, de otro planeta.

IT: Es una pieza genial de la disquera Strata-East. Yo estaba fascinado con este tipo de jazz cuando era más joven. Escucha esto, no recuerdo dónde vi esta portada antes:

 

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Stanley Cowell ‎– Musa – Ancestral Streams (1974, Strata-East)

 

IT: En Japón se le conoce como “jazz espiritual” o algún tipo de “rare groove”.

AA: Sí, a veces ese tipo de sonido encaja perfectamente en la categoría de “ascensión”. Como la esposa de Coltrane, o la mayor parte del trabajo de Pharoah Sanders.

IT: Sí, Stanley Cowell hacía este tipo de jazz. Tuve ese LP.

AA: Estos tipos eran clase aparte.

IT: Y éste es un álbum de Mtume bastante denso:

 

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Mtume – Rebirth Cycle (1977, Third Street Records)

 

AA: ¿Qué?, para mi Mtume eran solo conocidos por ese característico sonido de funk sintetizado, pero resulta que también estaban metidos en este tipo de jazz. No había oído hablar sobre estos otros discos.

IT
: Sí, el tipo era famoso por el disco pop o algo por el estilo. Pero también tocó otros géneros, creo. También, Doug Carn y la disquera Black Jazz, altamente recomendada.

 

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Doug Carn – Adam’s Apple (1974, Black Jazz Records)


IT: Estoy más que entusiasmado en hablar sobre este tipo de cosas. Hace algún tiempo era lo que más solía escuchar, y no hay muchas personas para compartir este tipo de sonidos…

AA: En realidad, no soy un gran conocedor de jazz en grandes cantidades, básicamente suele ser un género muy amplio y extenso. Pero me interesan definitivamente las pequeñas áreas grises del asunto.

IT: Sí, hay tantos tipos de jazz y cosas de los años ’70. Es demasiado profundo para tener una visión completa.

AA: Sí, aunque me gustaría tener algún día una perspectiva general de toda la cosa, como algunos otros géneros más pequeños lo permiten.

Escucha esto, me encanta esta mezcla de soul-jazz con “líricas” u onomatopeyas:

 

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Leon Thomas – Gold Sunrise on Magic Mountain (1971, Flying Dutchman)

 

IT: No conocía la canción, pero Flying Dutchman es una gran disquera de este tipo de jazz. Y el tipo que está haciendo el scat extraño podría ser Leon Thomas.


 

  • 3 de febrero de 2017 – 11:13 PM –

7. DAFFETÓN Y KARAOKE PUNK EN JAPUNK

 

AA: Recuerdo una vez que hablamos de Giorgio Moroder, Chic, y de todos esos artistas procedentes del disco, el house y el techno que influyeron (4) sobre Daft Punk, e inclusive su influencia en los productores que vinieron luego.

IT: No he escuchado mucho Daft Punk, pero reconozco que son talentosos, y percibo que les interesa la vieja y buena época del disco y la música dance.

AA: Sí, comprendo. A veces la gente parece estar obsesionada con ese sonido y no de la mejor de las maneras, me llegaron a interesar más sus primeros discos.

IT: ¡Sí, quizás fue porque “One-More-Time” fue demasiado! jajaj.

AA: Jajaja, por ejemplo, hay algunas pistas realmente viejas de Thomas Bangalter que son inmensas en las pistas de baile. El sonido es realmente primitivo, y la gente suele responder muy bien a él.

 

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Thomas Bangalter – Roulé Boulé (1995, Roulé)

 

 

IT: Cuando una canción acaba de salir, a veces es difícil determinar si la música es de calidad pero más tarde se convertirá en algo popular. Quiero decir, en determinados momentos necesito tiempo para apreciar realmente la canción; es similar a la manera en como funciona la comida –si la comida sigue siendo deliciosa incluso cuando esté fría, entonces realmente estoy alimentándome con algo de calidad.
AA
: Muy acertado eso, eso es un punto clave. A veces este es el tipo de discusión que tengo sobre el trap o el reggaeton: tienen ciertos valores contemporáneos, pero hay cosas que de alguna manera no parecen hablar por una generación (aunque tal vez también estén hablando de esta generación). Hay ciertos tipos de música de baile que simplemente sientes que no van a ser tan memorables.

Tal vez a las personas que les encanta cierto tipo de sonido o música en este momento, no se verían a sí mismos escuchándolo en el pasado inmediato. Las tendencias funcionan como una curva de tiempo: la gente lo escuchará en el presente, pero meses más tarde pensará que suena un poco “pasado de moda”. Es la lógica del masticar y escupir.

IT: Sí, el reggaeton está demasiado caliente para mis gustos jajaj.

AA: Jajaj, sí, podría sonar en las fiestas, la gente responde muy bien a ello, especialmente las mujeres. Pero con el trap es como: “Ok, estoy esforzándome mucho disfrutarlo”.

IT: Puedo verme encontrando algunas buenas canciones de reggaeton en el futuro. Sin embargo, me pregunto sobre la primera persona que hizo reggaeton; eso podría ser interesante.

Aunque creo que tu actitud con respecto a hacer que la audiencia pase un buen momento es totalmente acertada. Hay un DJ famoso que toca soul y groove raros en Japón, pero también toca hits japoneses en el momento adecuado, eso es genial.

AA: Sí, exactamente, se vuelve disfrutable en el momento adecuado.

IT: Aún así me pregunto por qué el reggaeton es tan popular en Suramérica. Podría ser porque es como el karaoke para la gente en este continente: la gente suele cantar y beber alcohol con sus amigos o bailar lo que está sonando.

AA: Entiendo lo que dices, pero creo que tiene que ver principalmente con que la gente quiere “acercarse”, tener contacto físico, erm … tener sexo, jajaj.

IT: El karaoke funciona de la misma manera en Japón. La manera más popular de interactuar socialmente para un hombre y una mujer es que vayan por un trago, van al karaoke, y luego se acuestan jajaja.

AA: Jajaja, eso es muy loco. ¿Cómo es que el karaoke juega un papel clave en esa situación? Extraño. Aunque yo le daría una oportunidad en Japón, suena menos ruidoso que una fiesta reggaeton, ¡al menos!

IT: Creo que es principalmente porque no tenemos salsa ni otros géneros para bailar. Hay clubes, pero vas a disfrutar de la música, por lo que el karaoke es la mejor manera de acercarse. Aunque sólo lo he hecho un par de veces…


 

  • 3 de febrero de 2017 – 12:09 –
    8. Y LUEGO CONOCISTE A GIBBY HAYNES

 

IT: Sí, así que fui al Festival Fuji Rock en 2003, un festival famoso en Japón. Fue un festival de 3 días con Jane’s Addiction, Funkadelic, Red Hot Chili Peppers, Skatalites y Butthole Surfers, entre otros en el line-up.

AA: Suena increíble para ser el año 2003. Ese line-up suena más como si fuera de 1993.

IT: Fue bastante similar a los comienzos del festival Lollapalooza, cuando Perry Farrell lo organizaba.

AA: Oh, ¿también organizó el line-up, como en las ediciones clásicas?

IT: No, un equipo de producción japonés lo organizó, él solo cantó y tocó un set de DJ.

AA: Ahh, sí, Perry Farrell tuvo un proyecto paralelo de DJ que terminó apestando un poco jajaj.

IT: Así que, en la autopista de vuelta a mi casa, mi amigo se encontró un carro delante de nosotros con la frase “Gibby Haynes está en este carro“. Y empezamos a perseguir el carro, cuando se detuvieron para orinar, fuimos tras él y orinamos juntos.

Después de orinar, ¡nos tomamos una foto con Gibby Haynes! (5). Mis amigos y yo casualmente estábamos usando franelas de Funkadelic, jajaja.

AA: Jajajaja, ¡genial¡ creo que esa es una de las mejores historias con músicos “famosos” que he oído.

IT: La foto podría sonar extraña: jóvenes asiáticos en un baño usando franelas de Funkadelic junto a Gibby Haynes.

AA: Sí, si lo sacas fuera de contexto nadie lo entendería. Los festivales son realmente buenos para esos tipos de encuentros extraños.

IT: El concierto de Butthole Surfers fue tan bueno. Gibby quemó todos los platillos, al estilo clásico, con todo y papel higiénico incluido.

 

Butthole Surfers en vivo alrededor de 1993, fotografía tomada por Jerry Milton.

IT: El Fuji Rock Festival lo han hecho desde 1997, y la primera edición se convirtió en un festival legendario. También fue el primer festival “grande” en Japón, creo.

AA: ¿Legendario en qué sentido? Recuerdo que había algunos famosos videos de Boredoms tocando en el Fuji Rock Festival incluso antes de que Youtube existiera, aparecía Eye manipulando un viejo deck de cintas de grabación encima de los tres bateristas en simultáneo.

IT: Porque fue el primer gran festival para aquel entonces, y los promotores no sabían cómo organizar ese tipo de evento tan importante. Fue en una montaña, pero no había suficientes autobuses para llevar a gente hasta allá. Pasé 5 horas esperando un autobús, y terminé perdiéndome a muchas bandas. También cancelaron el día que Red Hot Chili Peppers tocó debido a un tifón.

Caminé 10 horas, toda la noche, para llegar a la estación. No había suficientes autobuses para regresar tampoco, así que ocurrieron disturbios, gente dando patadas al autobús y gritando.

AA: Oh, sí, recuerdo que me contaste que fue un gran desastre. Pero eso suena como el tipo de diversión que está incluído entre las atracciones del festival, jaja.

IT: A pesar de que era verano, hacía taaaanto frío. Me sentía casi muerto.

AA: ¿En serio? Sí, he visto muchas fotos lejanas de un paisaje nevado del Monte Fuji, como la imagen clásica.

 

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Merzbow – Houjoue 6 CD Box Set (2005, Dirter Promotions)


IT
: www:motai.s32.xrea.com/frf/frf97.html
AA: Lee Perry + Mad Professor, Aphex Twin, Atari Teenage Riot, Beck, y … ¡Third Eye Blind! jajaja, man, esa cosa terrible es como el Maroon 5 del año 1997. Apartando eso, ¡el line-up se veía increíble!

IT: El line-up estuvo genial, pero sólo pudimos ver a Rage Against The Machine, una banda japonesa terrible que no recuerdo, y la mitad del show de Red Hot Chilli Peppers.

Hmm.. no conozco a Maroon 5.

AA: Una última cosa: hay un caracter japonés que a veces la gente usa en el internet para asemejar una “cara sonriente” jaja: ツ ¿Qué significa?

IT: (= ^ ▽ ^ =) ¿este tipo de cosas?

” ツ ” es sólo un símbolo del alfabeto japonés, y un sonido,  es “JI”.

AA: ¡Genial! Bueno, nos vemos la próxima vez, ¡y muchas gracias!
¯\_(ツ)_/¯


Pie de páginas y menciones honorables:

  1. El disco “Donuts”, producido y escrito por James Dewitt Yance alias J Dilla, editado en el 2005 (por Stones Throw), fue compuesto mayoritariamente en cama en el Cedars-Sinai Medical Center de Los Angeles. Un año más tarde, en el 2006, el artista fallecería tres días después del lanzamiento de su último disco en vida, a causa de una extraña enfermedad sanguínea (Trombocitopénica Trombotica Purpura). Ese disco se convertiría en una pieza referencial durante décadas siguientes, debido a su sonido y producción característica de “baja fidelidad”, sumado a la impredecible selección de fuentes diversas al momento de samplear, que van desde Tin Tin, Raymond Scott y 10 CC, hasta nombres más familiares como Dionne Warwick, Stevie Wonder, Jackson 5 y The Undisputed Truth. Un arsenal de productores y músicos tan variados como Animal Collective, 9th Wonder, Moodymann, Erykah Badu, Four Tet, Raekwon, Robert Glasper, Madlib, Amp Fiddler, Janet Jackson, Mos Def, D’ Angelo y Questlove, afines o no al género del hip-hop, se han vinculado de una u otra forma al extenso cuerpo de trabajo de J Dilla; incluso Flea, bajista de los Red Hot Chilli Peppers, desprende unas lágrimas en honor a J Dilla en el segmento online What’s In My Bag? en donde varios músicos comparten sus más recientes hallazgos mientras recorren la importante tienda de discos Amoeba Music ubicada en Los Angeles, California. https://youtu.be/BVljTwZzonA?t=385

 

  1. Masami Akita, también conocido como Merzbow, es un prolífico músico japonés con una carrera activa desde 1979. Pionero del ruido extremo como expresión musical, ha editado un promedio de 452 álbumes hasta la fecha (superando a Elvis), planteando relaciones estéticas entre el legado de la obra dadaísta “Merzbau” de Kurt Schwitters, las estructuras del free-jazz, la cultura del BDSM, el bondage japonés y más recientemente, el activismo vegano.

 

  1. La agrupación alemana Can, formada en Colonia en 1968, ha sido desde sus inicios un nombre obligado a la hora de referirse a la experimentación del rock alemán –o Krautrock– de los ’70. Su baterista, el reconocido Jaki Liebezeit, falleció el pasado 22 de Enero del 2017.

 

** A menudo han existido eslabones perdidos entre géneros musicales que en la superficie han parecido inconexos; en este caso, el jazz y el funk coinciden en la historia a partir de dos monolitos referenciales en la música, como la reconocida agrupación Funkadelic Parliament, liderizada por George Clinton, quien a menudo ha citado como referencia al músico Sun Ra y The Arkestra, no solo por su legado filosófico y musical, repleto de misticismo y referencias afro-futuristas, sino especialmente por la versatilidad en el diseño de sus atuendos constantemente cambiantes y sus variadas puestas en escena durante sus presentaciones en vivo.

 

  1. La canción “Teachers”, producida y escrita por Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter alias: Daft Punk (incluída en el primer LP “Homework” de 1996), posee una estructura repetitiva, divertida y sencilla que citaba a modo de tributo, a través del sonido sintetizado de un Vocoder, una extensa lista de influencias: DJs y productores pioneros del house, el techno, el disco y todo lo referente a la cultura de la música bailable de mediados de los ‘90. “Teachers” menciona a gente como Jeff Mills, Louie Vega, Kenny Dope, Green Velvet, e incluso a Dr. Dre y a Brian Wilson, vocalista de los Beach Boys. El 17 de Enero del 2017 se cumplieron 20 años de su lanzamiento, y la plataforma de música vía streaming Boiler Room organizó “Teachers: A Chicago Tribute to Daft Punk”, una celebración en honor a la canción, al disco… y al grupo, reuniendo al menos siete de los DJs mencionados en el divertido track.

 

  1. Gibby Haynes es el cantante principal de la legendaria, incendiaria y simplemente epopéyica agrupación brillantemente conocida como los Butthole Surfers. En 1996 “pegaron” “Pepper”, considerado su único “éxito” en las carteleras musicales gracias a MTV (que inclusive todavía puede llegar a sonar, curiosamente, en algún bar de terrible reputación de Caracas). Entre otras cosas, Gibby, por su parte, ha ganado notoriedad gracias a infinitas leyendas escritas durante las presentaciones de la banda; una de ellas siendo un infame episodio en el que por error comparten media tableta de LSD con el famoso ilustrador y cantautor Daniel Johnston (bien conocido por su comportamiento errático e inestable personalidad) mientras incendiaban lo que quedaba del set de batería en el escenario.

 

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